1997년에 개봉한 영화 이보다 더 좋을 순 없다는 인간관계의 미묘한 흐름과 심리적 깊이를 조용하면서도 강렬하게 그려낸 작품이다. 처음 보기에는 로맨틱 코미디처럼 보일 수 있지만 본질적으로는 주인공의 내면세계에서 일어나는 섬세한 변화를 중심으로 전개되는 심리 드라마다. 이 영화는 단순한 장르 구분을 뛰어넘어 인물 간의 발전 속 주인공 심리, 감정적 치유로 보여주는 이야기 구조와 영화의 메시지, 그리고 1990년대 미국 사회 시대적 배경에 대한 다층적인 시선을 유기적으로 엮어내고 있다.
- 영화 이보다 더 좋을 순 없다 속 주인공 심리
이 영화의 중심은 멜빈 유달이라는 인물이다. 그는 베스트셀러 작가이지만, 인간관계에서 심각한 문제를 겪는다. 강박적인 행동, 날카로운 태도, 이웃에게 무례한 언행, 그리고 식당 웨이트리스에게 무리한 요구를 하는 모습은 단순히 괴짜 수준을 넘어서 정신적 질환에 가까운 양상을 보인다. 멜빈은 강박장애를 앓고 있으며, 자신의 엄격한 일상 패턴이 조금이라도 흐트러지면 극도의 불안을 느낀다. 그는 항상 같은 식당, 같은 자리, 같은 식기를 고집하고, 손을 씻을 때마다 두 장의 비누를 사용해야 한다. 이런 행동들은 단순한 성격상의 기벽이 아니라, 예측 불가능한 세상에 대한 공포를 통제하려는 심리적 방어기제다. 그는 자신의 감정이 드러나는 것에 대해 극도로 불안해하며, 타인의 존재 자체를 위협으로 느낀다. 그러나 어느 순간, 그의 삶에 변화를 촉발하는 계기가 생긴다. 이웃 사이먼이 사고로 병원에 입원하게 되고, 멜빈은 어쩔 수 없이 그의 개 버델을 돌보게 된다. 이로 인해 멜빈은 예상치 못한 감정에 휘말리기 시작한다. 그동안 혐오하던 존재였던 개를 통해 그는 감정 이입과 책임감을 느끼게 되고, 그가 유지해 온 경직된 삶의 틈이 조금씩 벌어지기 시작한다. 이 장면은 감정적으로 닫혀 있는 사람일지라도, 반복적인 접촉과 일상을 통해 관계를 회복할 수 있다는 가능성을 상징적으로 보여준다. 멜빈은 버델을 통해 일상 속에서 타인에 대한 민감함과 연민을 서서히 배우게 된다. 감정 표현에 서툰 그가 개에게 말을 걸고 산책을 시키며, 이웃 사이먼의 안부를 묻는 등의 행동은 작지만 분명한 내면의 성장을 나타낸다. 이후 그는 캐롤에게도 이전과는 다른 태도로 다가가며, 자신의 감정을 이해받고자 한다. 멜빈의 심리 변화는 단순한 일상 갈등을 넘어서, 인간 본연의 불안, 두려움, 고립, 치유에 대한 욕구를 압축적으로 드러낸다.
- 이야기 구조와 영화의 메시지
이보다 더 좋을 순 없다는 전형적인 헐리우드식 이야기 구조를 따르면서도, 인물 중심의 전개 방식은 매우 입체적이다. 줄거리는 간단하다. 강박적인 작가 멜빈, 그에게 매일 서비스를 제공하는 웨이트리스 캐롤, 그리고 이웃이자 동성애자인 화가 사이먼. 이 세 사람의 관계는 영화의 중심축을 이루며, 서로를 통해 삶의 변화를 경험하게 된다. 이 영화가 전달하는 핵심 메시지는 ‘작은 변화의 가능성’에 있다. 멜빈은 캐롤에게 “당신 덕분에 나는 더 나은 사람이 되고 싶다는 생각을 하게 된다”라고 말하는데 이는 단순한 사랑 고백을 넘어서, 다른 사람의 존재가 자기 자신을 변화시키고 싶게 만드는 순간을 정확히 포착한 표현이다. 영화는 자발적인 극적 변화를 그리지 않는다. 대신, 타인의 존재가 촉매가 되어 서서히 감정의 진화를 이끌어낸다. 이 영화는 강렬한 감정의 폭발보다는 심리의 미세한 변화와 무의식적인 행동의 전환에 주목한다. 예를 들어 멜빈이 비누 두 장을 사용하지 않고 손을 씻는 장면, 개를 위해 간식을 사는 장면, 캐롤의 아픈 아들을 위해 병원 진료를 주선하는 장면 등은 모두 겉으로는 사소해 보일 수 있지만, 실제로는 그의 내면적 갈등과 화해의 상징으로 기능한다. 캐롤 역시 단순한 구원자가 아니다. 그녀는 아픈 자식을 돌보며 현실적인 고통과 반복되는 일상을 견뎌내는 인물이다. 멜빈에게 변화의 필요성을 분명히 전달하면서도 단호함과 공감을 동시에 지닌 존재로 묘사된다. 그녀는 멜빈이 성장할 수 있는 환경을 제공할 뿐 아니라, 멜빈을 통해 자신의 세계관 역시 다시 구성하게 된다. 이들의 관계는 이상화된 사랑이 아닌 진정한 이해와 수용을 바탕으로 하며 그렇기에 더욱 현실적인 울림을 보여준다.
- 시대적 배경과 사회적 의미
이 영화가 개봉한 1997년은 미국 사회가 정치적 올바름과 다양성에 대한 관심이 본격화된 시기였다. 인종, 성 정체성, 정신 건강, 장애 등의 이슈가 공론장에서 활발히 다뤄졌으며, 이와 같은 시대적 흐름은 영화 속에도 은근하게 반영된다. 영화는 겉으로 드러내지 않으면서도, 사회적 편견에 도전하는 주제를 중심으로 다루고 있다. 멜빈은 다양한 소수자들에게 무례하거나 공격적인 말을 서슴지 않는 인물로 묘사된다. 그러나 영화는 이러한 발언을 단순히 웃음거리로 소비하지 않는다. 그 이면에 존재하는 두려움, 무지, 그리고 점차 이루어지는 자각 과정을 조명한다. 이는 멜빈이라는 개인의 이야기에서 출발하여 사회가 개인을 어떻게 이해하고 수용해야 하는지에 대한 물음으로 확장된다. 특히 사이먼이라는 인물은 당시 주류 영화계에서 보기 드문 동성애자 주연 캐릭터다. 그는 가족에게 버림받고, 폭력을 당하며, 경제적으로도 파탄에 이르게 된다. 하지만 멜빈과의 관계를 통해 고립된 자아에서 벗어나 다시 그림을 그리고, 타인과 연결되는 과정을 겪는다. 이 여정은 그의 성적 지향 그 자체보다는 보다 보편적인 주제인 사회적 배제를 은유적으로 표현한다. 캐롤은 병든 자녀를 돌보는 싱글맘으로, 감정노동을 감내하며 생계를 이어가는 현실적인 인물이다. 그녀를 통해 영화는 여성의 노동 현실, 돌봄의 문제, 그리고 의료 복지의 사각지대까지 간접적으로 조명한다. 멜빈의 도움으로 그녀의 아들이 전문 치료를 받을 수 있는 장면은 자본과 권력의 격차가 실제 삶의 질에 얼마나 직접적인 영향을 미치는지를 보여준다. 영화는 이를 명확히 비판하지는 않지만, 관객이 충분히 그 함의를 느낄 수 있도록 구성되어 있다. 결과적으로 이보다 더 좋을 순 없다는 단순한 유머와 감정의 교류를 넘어서 1990년대 후반 미국 사회가 직면한 정체성, 차별, 수용, 공감이라는 주요한 주제를 조용하지만 분명하게 제시하고 있다. 멜빈의 변화는 이 시대정신의 축소판이라 할 수 있으며 우리는 그의 이야기를 통해 자신도 몰랐던 사회적 편견과 마주하게 된다.